先寫詞還是先作曲?探討音樂創作順序的優缺點

引言

在音樂創作的世界裡,詞與曲的創作順序往往是創作者面臨的第一個選擇。有些人喜歡先用文字描繪出情感和故事,再通過旋律來加強其表達;而另一些人則偏好先創作音樂,讓旋律成為情感的載體,詞語隨之流動。無論是先寫詞還是先作曲,每種方法都有其獨特的優勢和挑戰。這篇文章唯陌音樂將深入探討這兩種創作流程的專業面向,並闡述如何選擇最適合的創作方式。

 

先寫詞的創作流程:情感與敘事的強化

先寫詞能夠讓創作者在作品初期便確立整體的情感基調和故事主題。這種方式在音樂史上被廣泛使用,特別是像 Bob Dylan 和 Leonard Cohen 這樣的詞曲作家,他們通常依賴詞語來描繪情感和講述故事。詞作先行的流程將文字視為作品的核心,旋律則依照詞語的節奏和韻律來發展。

 

詞語作為情感與結構的基石

在詞先行的創作過程中,詞語本身承擔了大量的結構和情感負擔。音節的安排重音的分布以及韻腳的設計都成為旋律發展的基礎。例如,如果詞句中的重音落在特定的音節上,那麼旋律的節奏設計便需要配合這些重音來達到聽覺上的平衡。這涉及到音樂中的節奏結構,尤其是在處理複合節拍時,詞語的音節和重音必須與旋律的強弱拍相協調,以保持整體節奏的流暢性。

 

詞語的韻律

詞語的韻律(prosody)在音樂創作中也是一個關鍵因素。韻律不僅影響詞句的押韻模式,還影響整個作品的節奏感。例如,詞作中的四行詩體若具備明顯的音節重複結構(如押韻ABAB),旋律必須在句尾作出相應的停頓或轉折,這在音樂上通常以終止式(cadence)或半終止式來表現,讓旋律自然地回應詞作的結構。這樣的處理方式有助於加強作品的整體和諧感。

 

優點:詞語的精確性與敘事性

 

情感表達的精準

詞作先行的創作流程可以讓創作者在音樂的最初階段就注入非常具體的情感。例如,一首詞中所使用的意象、語氣和描述細節都能夠明確地傳遞情感,從而為後續的作曲提供一個情感框架。在音樂理論中,和聲進行(chord progression)往往會根據詞作的情感需求來選擇。例如,如果詞作描述的是悲傷或憂鬱的情緒,作曲者可能會選擇小調和聲(minor harmony)來強化這種情感。這樣的處理方式確保了詞與曲之間的情感一致性和精準度。

在處理每個段落時,詞意的發展也能夠指導音樂的動態變化。比如,當詞語在某一段落中表達激烈的情感時,作曲者可以使用和弦的張力變化(如使用增和弦減和弦)來製造音樂上的情感推進,達到強烈的情感爆發或轉折。這樣的處理方式不僅使音樂與詞作更加緊密相連,也讓情感表達更具層次感。

 

故事敘述先行

先寫詞的另一大優勢在於其敘事性。詞作能夠為整個作品提供清晰的敘事結構,包括開頭發展高潮結尾,而音樂則成為強化故事的工具。例如,在敘事性歌曲中,詞作的每一個段落都可以構成故事的不同部分,而旋律和和聲進行的變化則依據詞意發展相應的音樂敘事。這種結構化的創作方法非常適合民謠、故事歌曲等形式,因為這些類型的歌曲依賴詞作來講述一個完整的故事。

作曲者可以使用不同的和聲功能(如正三和弦副和弦導向和弦)來強化每個段落的敘事功能。例如,在故事的高潮部分,作曲者可能會使用更加緊張的和聲結構,如增加副屬和弦複雜的延伸和弦,來表現情感的高峰。

 

缺點:旋律自由度的限制

 

旋律受詞作約束

當詞語先行時,旋律的創作常常受到詞作的結構約束。詞語的音節數量押韻模式節奏設計會限制旋律的自由發展。例如,某些詞句可能要求在特定的音節上強調,這使得旋律必須與詞句的重音對應,從而減少旋律在節奏和韻律上的創新空間。

這種限制特別體現在處理複雜的節奏結構時。例如,當詞作使用多音節詞彙或長句時,作曲者可能需要調整旋律的長度或節奏,這可能會打斷旋律的流暢性,導致音樂過於依賴詞語的結構而缺乏自然的音樂流動感。

 

音樂情感延展受限

先寫詞的方式雖然能夠保證情感表達的一致性,但也會在某些情況下限制音樂的創意發揮。詞作的具體性(如描述具體的場景或人物)有時會限制旋律的情感延展空間。當詞語過於具象時,作曲者在旋律中加入額外情感層次的空間變得有限。

在音樂理論中,情感的延展通常依賴於旋律和和聲的變化,例如使用轉調(modulation)來增加情感的張力或使用不協和音(dissonance)來表現內心的衝突。然而,當詞作過於具體時,這些音樂技術可能無法充分運用,從而限制了音樂情感的多層次表達。

 

先作曲的創作流程:音樂情感的引導

 

與先寫詞的創作方式不同,先作曲的流程使旋律成為作品的核心,詞語則是隨後為旋律量身定制。這種創作方法在流行音樂電子音樂等風格中尤為常見。旋律、和聲與節奏往往構成作品的第一步,透過音樂元素來營造整體的情感氛圍,讓聽眾在沒有詞作的情況下,僅通過旋律就能感受到歌曲的情感張力。

 

音樂作為情感的主導力量

先作曲的方式允許作曲家在不受詞語結構限制的情況下,完全依據旋律的發展自由創作。在這種模式下,旋律和聲節奏不再需要受限於詞句的韻腳或節奏,而是根據音樂的內在邏輯進行發展。例如,作曲家可以通過運用不同的音階(如自然大調五聲音階布魯斯音階)來探索旋律的多樣性。這樣的音階選擇會影響整體情感表達:大調常給人明亮、歡快的感覺,而小調則更傾向於憂鬱、內省的情感表現。

在這種創作流程中,和聲進行(chord progression)是另一個至關重要的元素。先作曲允許作曲家在和聲設計上更靈活,例如可以採用功能和聲進行,如 I-IV-V-I 的進行,來營造典型的情感起伏;或者通過使用色彩和弦(如增和弦、九和弦等)來增加音樂的情感豐富度。這樣的和聲進行和音色設計往往會成為詞作者填詞時情感走向的依據,詞句中的重點情感可以根據和聲變化來強化,達到詞曲的情感一致性。

 

優點:旋律的自由與情感的動態

 

旋律的自由發揮

先作曲允許作曲家在不受詞作結構限制的情況下自由發揮,從而可以創造出更加多變且具音樂性的旋律線條。在這種創作環境下,作曲家可以探索多種旋律走向,無論是上行還是下行的旋律線條,或是更為複雜的折返旋律(contour melody)。這樣的旋律變化能夠更好地表現情感的張力與釋放,讓音樂具備更強的感染力。

此外,複雜的節奏結構也可以在先作曲的過程中得到充分表現。作曲家可以使用多種不同的節奏元素,例如複合拍子(如 7/8 拍或 5/4 拍),這些不規則的節拍往往能夠為音樂帶來意想不到的節奏張力,進一步加強音樂的情感動態。

 

音樂引導詞作

當旋律與和聲先行時,詞作者能夠依據旋律的情感變化來進行填詞。這種創作流程確保了詞語與音樂之間的情感對應,使詞句的表達能夠自然而然地與音樂融合。例如,在一首充滿高低起伏的旋律中,詞作者可以根據旋律中的高音或低音段落來設定詞語的情感重點,確保每個音節的情感張力與旋律相契合。

這種音樂引導詞作的方法在許多強調氛圍的音樂作品中尤為有效,特別是在電子音樂中。電子音樂的作曲流程通常以旋律與音色的設計為主,詞作往往扮演著進一步深化音樂情感的角色。例如,電子音樂中常見的疊層和聲(layered harmony)和重複節奏可以為詞作創造出持續而強烈的情感氛圍,使詞語在強烈的音樂情感中更加具有表現力。

 

缺點:詞作適配的挑戰

 

詞作的自由度減少

當旋律已經確定時,詞作者需要根據旋律的節奏、音節結構以及旋律線條來填詞。這可能會限制詞語的創作自由度,特別是在音節數量押韻要求上。如果旋律中的音節數量較少,詞作者需要在有限的音節中傳達完整的情感或信息,這對詞作的創作提出了更高的要求。

例如,在流行音樂中,旋律往往具有規律的節拍和音節數,這使得詞作需要適應旋律的節奏,並在特定的節奏點上配合旋律進行詞句的重音處理。這種情況下,詞作者可能無法自由地表達自己想要的全部內容,必須在音樂的框架內進行詞語的取捨與調整。

 

敘事性的不足

由於旋律先行,詞作的敘事性可能會受到影響。先作曲的方式往往更多地依賴音樂本身來傳達情感,詞作則成為對音樂情感的輔助說明。在這種情況下,詞作的敘事性可能會受到旋律框架的限制,無法完整地講述一個具體的故事。

這在敘事性歌曲中尤為明顯。當旋律已經確定時,詞作的結構必須適應旋律的設計,而不一定能夠完整地發揮敘事功能。如果詞作者希望表達一個具體的故事或事件,他們可能需要調整或縮減故事的細節,來適應旋律的音節數與節奏設計。因此,先作曲的方式通常更適合那些注重情感氛圍而非故事敘述的作品,例如情感取向的抒情歌曲或強調音樂情感動態的流行音樂。

 

如何選擇適合的創作順序?

 

靈感的來源

選擇創作順序的關鍵在於靈感的來源。如果靈感來自於具體的情感、故事或詞句,則先寫詞會更自然;而如果靈感來自於旋律、和聲或節奏,先作曲則能更好地發揮音樂的自由度。創作者可以根據每首歌曲的需求來靈活選擇創作順序,而不是局限於某一種方式。

 

音樂類型的影響

不同音樂類型對創作順序的要求也有所不同。例如,在流行音樂或電子音樂中,旋律與和聲的創作通常佔據優先地位,因此先作曲的方法更為常見。而在民謠、饒舌等更注重詞作的音樂風格中,先寫詞可能更符合這些類型的需求。

 

靈活運用創作流程

創作者可以根據情境的不同交替使用兩種創作順序。許多經驗豐富的作曲家和詞曲創作者會根據不同的靈感來源靈活調整自己的創作流程。這樣的做法不僅有助於擴展創作的多樣性,還能讓作品更具層次感。

 

結論

無論是先寫詞還是先作曲,最終的目的是讓詞與曲達到和諧統一。兩種創作順序各有其獨特的優勢和挑戰,創作者可以根據自己的創作風格、音樂類型和靈感來源選擇最合適的方式。音樂創作沒有固定的規則,探索不同的創作方法,才能不斷激發新的靈感,創作出富有創意和情感的作品;唯陌音樂小編也希望讀者們能在音樂的世界中享受屬於自己的那一抹自由。

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*延伸閱讀*

 

疊層和聲(Layered Harmony)

疊層和聲是一種常見於現代音樂製作中的和聲技術,特別是在流行音樂、電子音樂以及電影配樂中被廣泛使用。它指的是通過多層不同的聲部或音色同時演奏或演唱和聲,從而創造出更加豐富、立體和充滿層次感的音樂效果。

 

疊層和聲的基本原理

在音樂理論中,和聲通常是指兩個或多個音符同時發聲形成的音程或和弦。疊層和聲則是在這一基礎上進一步發展,通過將多層和聲的元素以不同的方式排列組合,創造出複雜的聲音紋理。這些層次可能來自於不同的音域(如高音部、中音部和低音部)、不同的和弦組合,或者來自不同的樂器或聲部。

 

疊層和聲的應用方式

 

多聲部重疊

最常見的疊層和聲技術是在多個聲部上重疊和聲。例如,在合唱或管弦樂團中,不同的聲部(如女高音、女中音、男高音、男低音)可能會以不同的音程距離演唱和弦的各個音符;在電子音樂中,疊層和聲通常是通過合成器或多軌錄音技術實現的。作曲者可以使用不同的音色和聲頻範圍來創造一種多層次的音效。例如,低頻部分可能使用一個持續的和弦基礎音,然後在中高音區域重疊不同的音色或旋律線條,從而產生疊層效果。

 

不同音色的組合

疊層和聲的另一個關鍵應用在於使用不同的音色來創造和聲的層次感。例如,在現代音樂製作中,作曲者可以通過將鋼琴、弦樂器和電子合成器的音色疊加來產生複雜的和聲紋理;這種技術在電影配樂中尤為常見,配樂師經常將不同音色的樂器疊加在一起,並根據場景需求改變和聲的色彩和層次。

 

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