引言
在當代流行音樂的製作現場中，吉他與鋼琴無疑是最常見的音色元素。不論在抒情、民謠、流行、R&B 乃至嘻哈曲目中，這兩種樂器的聲響幾乎成為歌曲辨識度與基底編曲的「預設素材」。然而，正是這樣的普遍性，漸漸演變為產業的聲響瓶頸。本文唯陌音樂(wemoremusic)將從音樂學研究、製作流程、平台機制與教育基礎等層面，深入探討這個現象背後的結構邏輯，並嘗試提出創作上的突破方向。
音色收斂與結構趨同：學術研究揭示的趨勢
一項由 Serrà 等人於《Scientific Reports》發表的研究指出，1955 至 2010 年的流行音樂中，音色調色盤（timbral palette）逐漸縮窄、音高轉換受限、平均響度逐年升高。這意味著聲音的辨識度降低、動態層次減少，整體音樂趨向更加一致和平坦。
另一項針對 Billboard Hot 100 的研究則指出，雖然流行樂會在特定年代（如 1964 年英國入侵、1991 年嘻哈崛起）產生結構性變化，但總體上仍朝向和聲簡化與節奏規律靠攏。這類結構性的同質化，使得聽眾感受到越來越多的「似曾相識」與「可預測性」，進而降低音樂本身的探索性與新鮮感。
音樂製作機制：從 Track-and-Hook 到樣本庫生態
Track-and-Hook 模式與聲響模組化
流行音樂的製作過程早已工業化，典型模式為「track-and-hook」：由 beatmaker 製作伴奏骨架（含和聲與節奏）、再由 topliner 疊上旋律與副歌。這種流程將創作解構為可分工的模組，大幅提高產量效率。但同時也造成旋律與和聲的可替代性升高，尤其當基底音色被大量複製使用時（如吉他 arpeggio 或鋼琴分解和弦），聽感上的重複性也隨之加劇。
樣本庫平台：聲響的標準化工廠
Splice、Loopmasters 等樣本庫平台進一步推動聲響的標準化。使用者只需選用預製的 loop 或 MIDI pattern，便可快速組成具備商品化潛力的 beat。調查顯示，吉他與鋼琴是樣本庫中最常見的音色包分類，並且大量設計為「Lo-fi」、「Emo」、「Soul」、「Pop」等通俗類型。
這類素材的普及降低了入門門檻，也同時建構了一種「平台美學」：聲音必須清晰、中性、可疊加、無明顯個性干擾。當吉他與鋼琴被簡化為音色素材而非樂器本身，其功能從表現轉為「填滿」，反而成為限制創造力的工具。
串流平台如何助長聲響趨同？
串流經濟下的「hook 競賽」
串流平台的演算法設計讓歌曲必須在 30 秒內吸引聽眾，否則將被跳過且不計收益。因此，流行歌曲普遍變短、hook 出現得更早、前奏幾乎消失。這樣的條件逼使創作者依賴「一聽就熟」的音色元素，而吉他與鋼琴在這裡再次發揮安全作用，成為 hook 的穩定載體。
情境清單與可預期音色的支配
平台上的情緒／情境型清單（如「Peaceful Piano」、「Focus with Guitar」、「Lofi Beats」）已成為主流流量來源。以 Spotify 為例，「Peaceful Piano」清單擁有超過 700 萬名訂閱者，幾乎所有曲目都採用極簡鋼琴與溫和混音。這些清單的設計目的是「不打擾」、「不引人注意」，其邏輯與廣播背景音樂相似，導致音色選擇趨向收斂。
教育制度與創作習慣：預設的聲響選擇
根據英國 YouGov 與 ABRSM（皇家音樂學院聯合考試局）報告，鋼琴與吉他為最常見的入門樂器，尤其在亞洲與歐美教育體系中普及率極高。這使得大量創作者從學習音樂的第一天起，便將這兩種樂器視為主要創作工具。
從創作心理角度來看，「先熟悉什麼就先使用什麼」的路徑依賴（path dependence）成為制約。當創作者進入數位音樂製作後，樣本庫、DAW 內建音色、教材示範也多以吉他與鋼琴為例，進一步固化其主流地位。
母帶處理與聲響壓縮的最後一哩
即使創作階段有所差異，在後期混音與母帶處理時，仍會面臨「大聲壓縮」（Loudness War）帶來的動態一致化問題。為了在行動裝置或串流平台上聽起來夠「飽滿」，製作人往往壓縮動態範圍、提升總體音量，使得不同歌曲在聲音密度與空間感上變得極為類似。
當吉他與鋼琴這類原本具表現力的樂器進入這個流程，它們的情感層次與聲學差異也會被同化成一種「可接受的平均音色」，進一步削弱音樂的個性。
反證與修正：創新是否仍存在？
值得強調的是，「聲響收斂」並不代表「創新消失」。音樂學家 Mauch 等人曾指出，流行樂史中出現過如 1964 年英倫入侵、1991 年嘻哈風格崛起的革命性節點。即便今日平台導向強烈，仍有部分創作者透過特殊配器（如世界音樂樂器）、聲響設計（如 granular synthesis、prepared piano）與非傳統結構突破同質化趨勢。
此外，情緒清單本身也可能成為利基音樂的孵化場，例如近年 ambient、neo-classical 或 field recording 類型音樂的流行，證明即使在平台主導下，也有聲響多元化的可能性。
小結與未來展望：突破聲響模板的可能方向
綜上所述，吉他與鋼琴作為流行音樂最常見的音色，確實在教育、技術、平台與商業邏輯的共同驅動下，成為產業聲響趨同的核心因子。然而，這並非無可改變的宿命。以下是創作者可以思考的出路：
重設編曲預設值：刻意選用非主流樂器或聲音素材作為創作起點；
善用聲響設計技術：透過 resampling、granular、合成等方式重新建構吉他／鋼琴聲音；
反操作平台邏輯：保留情緒穩定性但注入突變元素（如聲場變化、錯置段落）以製造辨識度；
跨文化素材融合：引入世界音樂與傳統樂器聲響（如琵琶、塔布拉鼓等）創造新穎音色組合；
打造屬於自己的 loop：錄製真實樂器並建立個人樣本庫，減少依賴平台模板。
透過這些方法，創作者將不再受限於產業預設的聲響路徑，而能回歸音樂的本質——傳遞個性與情感。畢竟，真正動人的音樂，不應只是經濟邏輯下的標準商品，更應是人類經驗的獨特聲響化呈現。
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